Un esempio è il magnifico dipinto “La valorosa Temérairé” realizzato nel 1839, quando Turner già cominciava ad intraprendere il tratto finale della sua carriera e della sua vita; eppure il quadro è un capolavoro, proprio perché esprime una scena triste ma piena di splendore.

La valorosa Temérairé: breve storia e analisi del quadro

La Temérairé era stata la nave più importante della flotta britannica nella battaglia di Trafalgar, in cui l’ammiraglio Nelson perse la vita. E fu proprio la Temérairé a difendere la Victory, nave ammiraglia da cui Nelson, prima di morire, comandò la vittoria contro gli spagnoli.

Malgrado questo illustre passato, nel 1830 la nave fu trasportata verso la demolizione e le fu rifiutata la possibilità di issare la bandiera inglese, dimenticata verso un triste declino. Turner assistette alla scena e ne memorizzò il momento, trasformandolo in un tripudio di oro e rosso.

La scena: come una fotografia

È un saluto commosso alla vecchia nave che, come un fantasma, viene trascinata da un pachiderma nero, una delle navi moderne, il rimorchiatore a vapore, che proprio a causa del vapore aveva decretato la vetustà dell’eroico veliero.

E, mentre il rimorchio trascina la nave fantasma, assistiamo ad una scena in movimento. Possiamo immaginare il percorso che il rimorchiatore farà insieme al suo triste carico, fino al luogo dello smaltimento.

William Turner con il suo dipinto “La valorosa Temérairé” ci regala una fotografia impareggiabile, in cui la luce accompagna l’emozione di osservare la nave scivolare verso il suo ultimo viaggio.

I colori

Il bianco del veliero, il nero del rimorchiatore e l’oro e il giallo del cielo mescolati al rosso del tramonto che si riflettono sull’acqua, suscitano una scena epica e tragica che commuove e affascina allo stesso tempo. Turner è totalmente immerso nella realizzazione di quest’opera, che rappresenta il declino di un’esistenza, il suo precipitare, malgrado il passato glorioso, nel nulla dell’oblio.

Una curiosità: è il quadro davanti al quale, nel film “Skyfall” (2012), James Bond incontra Q, il nuovo addetto all’approvvigionamento.

All’inizio dell’Ottocento imperversò la polemica tra classici e romantici: il Romanticismo voleva rompere gli schemi fissati dal severo Neoclassicismo per rappresentare il sentimento, la passione in tutte le arti.

Le conseguenze di questa polemica si notarono sia nella pittura che nella scultura, dove il nuovo movimento portò un rinnovamento radicale e una nuova concezione della natura e della realtà.

Le caratteristiche del Romanticismo nell’arte

Il concetto chiave della sensibilità romantica espresso nell’arte fu quello della centralità dell’individuo e l’affermazione dell’assoluto. Tali teorie furono riprese dai filosofi romantici Fichte e Schelling. Questa tensione si espresse in una importante ricerca dell’infinito e soprattutto nell’esaltazione delle qualità dell’artista, che venne inquadrato come una sorta di genio o, addirittura, mago.

Cambiò così anche il rapporto sia con la natura, che vide lo svilupparsi di una nuova pittura di paesaggio, sia con la storia, che venne vista come l’alternanza di vicende per l’affermazione dell’identità nazionale. La pittura storica acquisì infatti un nuovo vigore. I soggetti preferiti erano storici, letterati, religiosi. La ritrattistica e il paesaggio divennero, però, i più amati dai pittori romantici.

La pittura di paesaggio

Proprio in pittura si assistette in modo più visibile ai grandi cambiamenti avviati dal Romanticismo. La pittura di paesaggio, che fino a quel momento aveva subito l’influenza del paesaggio classico, si ispirò ai modelli del sublime e del pittoresco. Non si seguirono più le rigide regole accademiche ma si cercò di rappresentare la luminosità attraverso l’acquerello (tecnica introdotta proprio in questo periodo per rendere su tela la trasparenza dell’atmosfera).

I pittori romantici inglesi

I più importanti pittori paesaggisti del Romanticismo furono gli artisti inglesi. Tra questi, John Constable, autore di composizioni molto espressive quali Il carro da fieno (1821). Ma soprattutto William Turner, autore della composizione che rappresenta per eccellenza il periodo romantico ovvero Pioggia, vapore e velocità (1844). L’opera è un’esplosione di colori che rende il passaggio del treno davvero realistico e suggestivo.

I pittori romantici francesi

In Francia, invece, la pittura paesaggistica si rinnovò con ritardo perché più legata alle regole accademiche. Qui furono il ritratto e la pittura storica a trovare grande espressione. I protagonisti della pittura romantica francese furono Theodore Gericault ed Eugene Delacroix.

Essi espressero a pieno la nuova sensibilità romantica. Il primo fu autore de La zattera della Medusa (1818), pittura ispirata ad un avvenimento di cronaca. Il secondo dell’altrettanto famoso La libertà che guida il popolo (1830), dal soggetto politico e profondamente reale.

In Germania si distinse Caspar David Friedrich, che incarnò l’essenza della pittura romantica. Nelle sue opere si enuncia la preferenza per oggetti rotti, rovine, atmosfere rarefatte e malinconiche. Il suo Viandante sul mare di nebbia (1818) può considerarsi il simbolo e il manifesto della pittura romantica. Nel quadro, un uomo ritratto di spalle, guarda con intensità la nebbia che gli si prospetta davanti e la osserva meditando.

In Italia

In Italia gli artisti rimasero più fedeli alle regole Neoclassiche. Da ricordare, però, la figura del pittore Francesco Hayez, che incarnò il passaggio dalla pittura neoclassica a quella romantica. Egli predilesse i ritratti realisti e i soggetti melodrammatici, tra cui il famoso Bacio del volontario (1859), noto anche semplicemente come Bacio di Hayez.

In generale, quindi, il Romanticismo nell’arte fu in grado di cambiare profondamente l’orizzonte artistico del tempo, mettendo in luce la passione, il sentimento, i soggetti realistici che erano stati accantonati dal rigido e perfetto Neoclassicismo. Grazie all’opera degli artisti romantici si assistette pian piano al cambiamento che avrebbe portato alla nascita dell’Arte Moderna.