Storia del quadro

Siamo nel 1504 e Raffaello, un giovane pittore di appena 21 anni, riceve un incarico importante: realizzare una pala d’altare per la chiesa di San Francesco a Città di Castello (Perugia). Il tema scelto è un evento fondamentale della tradizione cristiana: lo sposalizio della Vergine Maria con Giuseppe.

La scena

Un tempio circolare in marmo domina la piazza, la sua cupola sormontata da una statua dorata che brilla alla luce del sole. Le linee architettoniche sono perfette, richiamando i modelli classici dell’antica Roma.

Sotto l’arco solenne del tempio, l’evento principale prende vita. Maria, vestita di una tunica e Giuseppe in una dalmatica con decori dorati, si porgono la mano destra.

I loro volti, sereni e composti, sono incorniciati da capelli castani e biondi.

Negli occhi di Maria si scorge una dolcezza angelica, mentre Giuseppe guarda le dita della sua sposa con amore e rispetto.

Un sacerdote con barba grigia, posto tra loro, unisce le loro mani e benedice l’unione.

Osserva le figure che circondano la coppia.

A sinistra, cinque giovani donne vegliano sulla sposa. Le loro vesti candide e i loro veli bianchi simboleggiano la purezza di Maria. I loro sguardi sono rivolti verso la coppia con devozione e partecipazione.

A destra, cinque uomini assistono alla cerimonia. Tra di loro, uno tiene in mano un bastone spezzato: è il segno del suo fallimento nel tentativo di conquistare Maria. Gli altri uomini, con i loro bastoni fioriti, rappresentano i pretendenti respinti. Le loro espressioni sono composte e rassegnate, accettando il volere divino.

La luce

Alza lo sguardo verso il cielo.

Un cielo terso e azzurro si apre sopra la scena, come un immenso mare di serenità.

L’elemento che più di tutti cattura l’attenzione è la luce. Essa proviene da una fonte divina che illumina dall’alto la scena, creando un effetto di grande luminosità e profondità. La luce avvolge i personaggi e sottolinea la loro bellezza ideale, rendendoli quasi divini.

Una luce dorata, quasi divina, illumina il tempio, la piazza e i personaggi.

Presta attenzione ai dettagli.

Le decorazioni marmoree del tempio, i ricami dorati sugli abiti, gli sguardi e le mani di ogni personaggio: ogni elemento è curato con meticolosa precisione. Raffaello ha utilizzato la tecnica della prospettiva per creare un senso di profondità e dimensione, trasportandoti virtualmente all’interno della scena.

Lasciati avvolgere dall’atmosfera di armonia, bellezza e spiritualità che emana da questo capolavoro.

Ispirazione di valore

L’opera “Sposalizio della Vergine” non è solo un dipinto religioso, ma anche un’opera che celebra l’amore e la purezza.

Raffaello, con il suo stile elegante e armonioso, ci invita a riflettere sui valori più alti dell’animo umano.

Come approcciarsi alla visione di questo quadro

Visitando la Pinacoteca di Brera a Milano per ammirare dal vivo questo quadri si ha l’opportunità di:

• Viaggiare nel tempo e immergervi nell’atmosfera del Rinascimento italiano.
• Conoscere un episodio importante della storia della Vergine Maria.
• Ammirare la bellezza e l’armonia di un capolavoro dell’arte.
• Riflettere sui valori dell’amore, del rispetto e della purezza.

Interpretazioni

Lo Sposalizio della Vergine di Raffaello Sanzio, oltre ad essere un capolavoro di bellezza e armonia, è un’opera ricca di simbolismi e significati che hanno dato vita a diverse interpretazioni nel corso dei secoli.

Principali

Un primo livello di lettura, quello più immediato, è quello religioso.

Il dipinto rappresenta un episodio fondamentale della tradizione cristiana: le nozze tra Maria, madre di Gesù, e Giuseppe. La luce dorata che illumina la scena, proveniente da una fonte divina non visibile, sottolinea la sacralità del momento e la natura divina del bambino che Maria porterà in grembo.

Ad un’analisi più approfondita, emerge un’interpretazione simbolico-allegorica.

I personaggi e gli elementi del dipinto assumono un significato più profondo. Il tempio circolare, ispirato ai modelli classici, può essere visto come simbolo dell’universo o del cosmo, mentre le figure disposte simmetricamente rappresentano l’ordine e l’armonia divina.

I fiori sbocciati sul bastone di Giuseppe simboleggiano la sua scelta divina come sposo di Maria, mentre i bastoni spezzati degli altri pretendenti rappresentano la vanità delle cose terrene.

Alcuni studiosi hanno visto anche un’interpretazione messianica nel dipinto.

La figura di Maria, con il suo abito bianco e azzurro e il velo che le copre il capo, potrebbe rappresentare la Chiesa, mentre Giuseppe, con la sua dalmatica rosa, potrebbe simboleggiare l’umanità. In questa prospettiva, lo sposalizio tra Maria e Giuseppe prefigurerebbe l’unione tra Dio e l’umanità che si realizzerà con l’incarnazione di Gesù.

Altre

Oltre a queste interpretazioni principali, lo Sposalizio della Vergine può essere letto anche a diversi altri livelli.

Alcuni critici hanno visto nel dipinto una celebrazione dell’amore puro e spirituale, mentre altri lo hanno interpretato come un’esaltazione dei valori familiari e della tradizione.

Indipendentemente dall’interpretazione specifica che si sceglie di adottare, lo Sposalizio della Vergine rimane un’opera straordinaria che ci invita a riflettere su temi universali come l’amore, la fede, la speranza e la bellezza.

La sua capacità di suscitare emozioni e di generare nuove interpretazioni nel corso dei secoli è una testimonianza della sua ineguagliabile potenza espressiva.

Il confronto con lo Sposalizio della Vergine del Perugino

Le due versioni dello Sposalizio della Vergine, realizzate da Perugino (1503) e Raffaello (1504), sono opere iconiche del Rinascimento italiano, entrambe incentrate sul tema sacro del matrimonio tra Maria e Giuseppe.

Nonostante condividano lo stesso soggetto e alcuni elementi compositivi, presentano notevoli differenze che riflettono gli stili distinti dei due maestri e la loro evoluzione artistica.

Composizione

1. Perugino: la scena si svolge in un’ampia piazza davanti a un tempio ottagonale, con figure disposte in maniera ordinata e simmetrica. L’architettura domina la composizione, creando un senso di solennità e ieraticità.
2. Raffaello: la scena è ambientata all’interno di un tempietto a pianta centrale, con figure disposte in modo più dinamico e asimmetrico. L’architettura è più armoniosa e integrata con le figure, creando un senso di maggiore profondità e naturalismo.

Figure

1. Perugino: Le figure sono idealizzate, con espressioni serene e composte. I panneggi sono fluenti e delicati, i colori tenui e luminosi. La luce è uniforme e diffusa, creando un’atmosfera di pace e spiritualità.
2. Raffaello: Le figure sono più realistiche, con espressioni più individuali e mosse. I panneggi sono più corposi e definiti, i colori più vivaci e contrastanti. La luce è più direzionale, creando un maggiore senso di volume e profondità.

Stile

1. Perugino: Lo stile di Perugino è caratterizzato da una linea morbida e continua, da un uso delicato del colore e da una composizione armoniosa. La sua arte è permeata da un senso di serenità e spiritualità.
2. Raffaello: Lo stile di Raffaello è più maturo e complesso, con una maggiore attenzione all’anatomia, alla prospettiva e alla resa naturalistica. La sua arte è espressione di equilibrio, armonia e bellezza ideale.

Influenza

1. Perugino: L’opera di Perugino ha avuto una profonda influenza sul giovane Raffaello, che ha assimilato la sua tecnica e il suo stile, per poi svilupparne una versione personale.
2. Raffaello: Lo Sposalizio della Vergine di Raffaello è considerato un capolavoro del Rinascimento e ha influenzato generazioni di artisti successivi.

Dati tecnici e ubicazione

1. Perugino
   • Anno: 1501-1504
   • Tecnica: Olio su tavola
   • Dimensioni: 234×186 cm
   • Luogo: Musée des Beaux-Arts, Caen (Francia)
2. Raffaello
   • Anno: 1504
   • Tecnica: Olio su tavola
   • Dimensioni: 170×117 cm
   • Luogo: Pinacoteca di Brera, Milano (Italia)

In sintesi

Il confronto tra le due opere di Perugino e Raffaello mette in luce l’evoluzione artistica di Raffaello, che, pur partendo dalla lezione del suo maestro, ha saputo sviluppare un linguaggio pittorico personale, più dinamico, naturalistico e ricco di tensione ideale.

Altri quadri da vedere quando visiti la Pinacoteca di Brera a Milano

Oltre allo Sposalizio della Vergine, la Pinacoteca di Brera ospita una ricca collezione di capolavori che meritano la tua attenzione. Ecco alcuni consigli di seguito.

Rinascimento italiano

• Pala di Brera di Piero della Francesca: un’opera di straordinaria armonia e compostezza, con una prospettiva impeccabile e una luce delicata che avvolge le figure.
• Cristo alla Colonna di Donato Bramante: un dipinto intenso e drammatico che rappresenta la sofferenza di Cristo prima della crocifissione.
• Cena in Emmaus di Caravaggio: un capolavoro del chiaroscuro che raffigura l’incontro tra Gesù e i suoi discepoli dopo la Resurrezione.

Seicento lombardo

• Bacio di Francesco Hayez: uno dei dipinti più iconici del Romanticismo italiano, che celebra l’amore passionale tra due giovani.

Ottocento italiano

• Il Riposo di Giovanni Fattori: un dipinto realista che raffigura un contadino con i suoi buoi al tramonto, trasmettendo un senso di pace e di armonia con la natura.
• Enfant gras di Amedeo Modigliani: un ritratto emblematico dello stile di Modigliani, con le sue figure allungate e i colori intensi.
• L’inondazione di Tranquillo Cremona: un dipinto di grande impatto emotivo che rappresenta la devastazione causata da un’inondazione.

Questi sono solo alcuni dei tanti capolavori che potrai ammirare alla Pinacoteca di Brera. Con le sue 38 sale e oltre 400 opere, il museo offre un viaggio affascinante attraverso la storia dell’arte italiana dal XIV al XX secolo.

Un consiglio: prima di visitare la Pinacoteca, consulta il sito web ufficiale per scoprire le mostre temporanee in corso e per pianificare il tuo percorso.

Una fra le più antiche testimonianze in tale senso, nella quale venne stabilito che il matrimonio è valido solo se c’è un contratto “d’acquisto” scritto (della moglie da parte del marito) fu il cosiddetto codice di Hammurabi (1792-1750 a.C.).

L’età ideale per il matrimonio secondo il filosofo greco Aristotele (384-322 a.C.) era da attestarsi in 37 anni per l’uomo e in 18 per la donna. Da lì in poi e con pochissimi cambiamenti, anche tutte le altre società si affidarono al codice di Hammurabi. Il matrimonio, a detta degli studiosi di quel tempo, comportava il passaggio di una persona da un gruppo sociale ad un altro e la prole apparteneva dunque socialmente a uno solo dei due coniugi. Inoltre per sopperire alla diversità di ceto, erano necessari accordi e compensazioni tra le famiglie degli sposi. Il pagamento avveniva con bestiame, attrezzi o denaro alla famiglia di lei, oppure servizi e aiuti di vario tipo, per esempio il genero coltivava il campo del suocero.

Nelle varie società e culture possiamo trovare vari tipi di matrimoni: la monogamia (un marito ed una moglie, la più diffusa), la poligamia (un marito con più mogli) e la poliandria (una donna con più mariti). Secondo quanto scritto nel codice di Hammurabi, la poligamia era consentita solo se la prima moglie era sterile mentre nell’antico Egitto tale usanza valeva solo nelle caste più elevate.

Nell’Oxford Dictionary si fa riferimento a questo significato, mettendo in evidenza come solo la prima “luna” (intesa come mese lunare) sarà di miele, poi bisogna aspettarsi che l’iniziale felicità a due declini con il tempo.

L’espressione “luna di miele” risale agli antichi Babilonesi, che erano soliti donare agli sposi una particolare bevanda alcolica a base di miele (l’idromele), nella quantità necessaria per un mese.

Pare che l’idromele fosse utile a stimolare la fertilità, e venne utilizzato anche dai Romani e successivamente nel periodo medievale. Durante il Medioevo la famiglia che dava in matrimonio la figlia ad un uomo le porgeva anche il miele, una sostanza considerata simbolo di dolcezza e costosa per quei tempi. I due sposi trascorrevano insieme la prima notte, detta “luna di miele” per la durata del ciclo femminile che è legata alle fasi lunari e per la presenza del miele che appunto addolciva l’atmosfera.

Nel periodo medievale venivano svolti veri e propri rituali che avevano come oggetto la luna di miele, considerato dalla religione neopagana Wicca come un periodo legato alla natura, ricco di cambiamenti positivi e nel quale ciascuno deve diventare responsabile. Questa fase della vita è la più propizia per cominciare la vita a due con il matrimonio. L’origine antica del termine è avvalorata dal fatto che esiste l’equivalente in diverse lingue, come l’inglese (Honeymoon), lo spagnolo (Luna de miel), il francese (Lune de miel), ma anche in arabo e gallese.

In età moderna, a partire dal diciannovesimo secolo, l’espressione “luna di miele” viene utilizzata per individuare il periodo immediatamente successivo alla cerimonia, e coincide quindi con il viaggio di nozze, organizzato dagli sposi per allontanarsi dalla vita di tutti i giorni e godersi un po’ di relax dopo lo stress dovuto ai preparativi del matrimonio.

Nelle Sacre Scritture si legge che lo sposo in questo particolare periodo non dovrebbe compiere lavori pesanti o gravosi, ma dedicarsi completamente alla moglie. In realtà questo proposito dovrebbe accompagnare tutto il tempo del matrimonio, non solo gli inizi!

Oggi si parla di luna di miele per descrivere vacanze e mete esotiche, e si è perso di vista il vero significato di tale modo di dire. Dovremmo invece tornare alle origini di alcune espressioni perché sono queste che ci dicono chi siamo e da dove veniamo. La luna di miele è un periodo che gli sposi dovrebbero vivere più intimamente e godendo del sentimento che li unisce, senza perdersi in distrazioni inutili che, seppur piacevoli, allontanano la mente ed il cuore dal reciproco impegno preso.

La tradizione affonda le sue origini all’antichità, pare che già le spose egiziane avessero l’abitudine di portare la vera all’anulare perché si pensava che da lì passa una vena che si irradia direttamente verso il cuore.

Successivamente questa consuetudine è passata alla tradizione religiosa cristiana, in cui l’anulare sinistro è il dito che il sacerdote tocca dopo i primi tre con l’invocazione Padre-Figlio-Spirito Santo.

Dal punto di vista anatomico l’anulare è il primo a formarsi nel feto ed è il più debole di tutti, perché collegato al medio e al mignolo tramite il muscolo flessore. La scelta della mano sinistra per portare la fede è anche di tipo pratico: la mano destra è quella che si utilizza di più nelle operazioni di tutti i giorni, quindi qui la fede si rovina prima e potrebbe dare più fastidio.

La fede che gli sposi si scambiano durante il rito religioso nuziale è simbolo dell’unione matrimoniale, per questo è circolare. L’anello è presente già nel periodo barbarico per simboleggiare la promessa, il potere, la sottomissione, il legame esistente tra l’uomo e la donna. L’abitudine di scambiarsi la fede e portarla al dito risale al XVI secolo, mentre si comincia ad incidere il nome degli sposi all’interno soltanto nel XVII.

Prima di allora il rito del matrimonio era vissuto privatamente e senza l’intervento del sacerdote. A suggellare l’unione con la firma di un contratto era il notaio. Il sacerdote era chiamato solo dopo questo momento, di solito veniva ricevuto in casa della donna.

Mentre noi in genere portiamo la fede all’anulare sinistro, in altri Paesi del Nord Europa e in Spagna la vera si porta alla destra. In India, invece, durante la cerimonia del matrimonio vengono inanellate tutte le dita della mano.

La tradizione vuole che la fede sia in oro giallo, ma oggi sempre più persone preferiscono optare per l’oro bianco, rosso o per il platino. A seconda della zona di provenienza e delle caratteristiche, la fede viene denominata in diversi modi: La Francesina, la Classica, la Mantovana, ecc.

Nel matrimonio cattolico le fedi vengono portate agli sposi sull’altare da uno dei testimoni o da un bimbo chiamato “paggetto”. Lo scambio delle fedi con la pronuncia della promessa tra i due sposi è un momento solenne della celebrazione, quello in cui ci si commuove più facilmente.

Attraverso lo scambio delle fedi la coppia giura reciprocamente amore eterno dinanzi a Dio. Proprio per la corrispondenza del dito sinistro all’arteria che arriva direttamente al cuore (sede dell’amore e dei sentimenti) portare la fede all’anulare sinistro acquista il significato di un impegno di fedeltà e di protezione del cuore.

Un’antica credenza cinese ritiene che ad ogni dito della mano corrisponda qualcuno a noi caro: il mignolo rappresenta i figli; il medio rappresenta noi stessi; il pollice rappresenta i genitori; l’indice rappresenta fratelli e sorelle; l’anulare rappresenta il partner.