Le Stiratrici: analisi del quadro

Questa tela in particolare è il frutto di tre versioni che ritraggono due donne, una intenta energicamente a stirare e l’altra in un momento di pausa mentre sbadiglia. Un soggetto semplice, che ritrae la realtà per ciò che è, ma che attira l’attenzione, con un candore quasi favolistico, verso il lavoro e la sua fatica. Il contesto storico in cui il dipinto viene realizzato è quello verista in cui, non solo la pittura, ma anche altre forme espressive stanno analizzando la condizione umana, soprattutto quella piegata e umiliata dal lavoro.

Degas guarda alla classe operaia senza sentimentalismi o facili pietismi, ma ritraendo la fatica che rende la loro vita dura e socialmente emarginata. Non c’è passione, né ardore, né eroismo nel comportamento delle due stiratrici; in un certo senso, si potrebbe pensare che il quadro sia solo una banale fotografia del reale e, invece, proprio in questo sta la sua forza, come ne “I mangiatori di patate” di Van Gogh, dove però in questo caso viene ritratta tutta la miseria del vivere quotidiano dei contadini, mentre ne “Le Stiratrici“, non c’è una denuncia sociale ma solo un’attenzione per un momento particolare della giornata delle due donne.

La tecnica utilizzata è quella della pittura ad olio. In questo dipinto, però, Degas non utilizza il suo solito stile pittorico, ma carica ogni pennellata rendendo l’impasto dei colori più spesso e quindi togliendo omogeneità alla distribuzione del colore. L’effetto irregolare rende alcune parti del quadro più intense e rende molto bene il movimento di entrambe le stiratrici.

Non è un manifesto politico contro lo sfruttamento del lavoro manuale, ma è piuttosto un racconto di come era e di come è il lavoro manuale. Non credo sia uno dei quadri migliori di Degas e alcuni esperimenti con l’impasto del colore francamente non mi piacciono, ma è un quadro importante perché è uno dei primi passi verso l’attenzione che l’arte riserverà al lavoro, senza interpretarlo o caricarlo di significato politico ma semplicemente immortalandolo in istanti che diventano eterni.

Nel quadro “Cavalli da corsa davanti alle tribune“, ad esempio, il tema della luce è preponderante, tutta la scena sembra dipinta solo per sperimentare la luce. Degas sceglie naturalmente un soggetto popolare. Il quadro fu realizzato fra il 1866 e il 1868, in un epoca in cui le corse di cavalli stavano diventando di moda in Francia e la borghesia facoltosa le frequentava proprio perché erano diventate uno status simbol, come lo erano in Inghilterra. E infatti, Degas riprende alcuni temi cari ai pittori inglesi che riproducevano le gare di cavalli ma lo fa in un momento in cui i cavalli recitano un ruolo meno importante, cioè prima della corsa.

Cavalli da corsa davanti alle tribune (La sfilata): analisi del quadro

Degas, infatti, ricrea l’atmosfera di una corsa di cavalli prima che la gara inizi, quando il pubblico osserva il proprio fantino e i cavalli passeggiano avvicinandosi agli spettatori o raggruppandosi verso la linea di partenza. Tutto è dipinto nei minimi dettagli: l’incedere dei quadrupedi verso i punti di fuga del dipinto, con l’ultimo che chiude l’opera ponendosi alla fine, gli spettatori che li osservano vicino alle staccionate, e le forme dei cavalli e la postura dei fantini che permettono a Degas di sperimentare uno studio libero delle forme e del movimento.

Il disegno dei soggetti e l’ombra che si sviluppa dai cavalli, sono due esempi opposti dell’altissimo livello di sperimentazione che Degas raggiunge con questa tela. La luce che diventa un elemento importante in quegli anni, permette a Degas di raggiungere una propria interpretazione di come la luce debba essere riportata su un quadro e aggiunge, in un certo senso, un altro importante capitolo alla storia dell’Impressionismo.

Il momento della giornata in cui sta avvenendo quella scena non può essere rappresentato che in quel modo, con quella particolare luce, che Degas interpreta in modo straordinario, posizionandola da destra mentre colpisce i fantini che si preparano ad affrontare la gara.

Prova generale di balletto in scena: breve storia e analisi

Gli aspetti importanti dell’opera sono il punto di vista dell’artista, che ritrae le ballerine da una posizione rialzata, posta sul lato sinistro della galleria. In questo modo lo spettatore può vedere sia le ballerine che provano sul palcoscenico, sia le ballerine che si stanno preparando in punto più nascosto. Il quadro venne esposto per la prima volta nel 1874 e attirò subito l’attenzione di molti critici, non solo per l’uso del colore bianco, che rendeva gli abiti delle ballerine visibilissimi al contatto con la luce del teatro, dando un senso di movimento che accompagnava tutta la visione dell’opera, ma soprattutto per la bellezza del disegno. Proprio la scelta di una gradazione del bianco, che quasi diventa trasparente, rende il dipinto simile ad un disegno e lascia un effetto ambiguo in chi lo osserva, come se l’opera non fosse compiuta. Inoltre, la dinamicità della danza è resa tale proprio perché il disegno è molto preciso. L’opera, infatti, doveva servire per un incisione.

Oltre a questo il quadro va ammirato dal vivo, perché le immagini, per quanto i computer permettano oramai una visione ottima, non rendono, purtroppo, l’idea di quanto le gradazioni del bianco influiscano nella dinamicità dei movimenti delle ballerine.

Degas in altre opere il cui soggetto è simile, si lascia andare ad un uso gioioso del colore, mentre in questo caso la scena ne è quasi priva. Perché? Probabilmente, a parte la questione dell’incisione, in questo caso l’artista voleva sperimentare l’uso del disegno per meglio rappresentare il ballo, sua passione da sempre. E ci riesce perfettamente.

La magia del quadro Prova generale di balletto in scena, infatti, non è il soggetto ma il modo in cui Degas riesce a rappresentare il movimento e la dinamicità del passaggio fra le ballerine che stanno provando e quelle che sono in attesa di debuttare.

Degas dipinse e disegnò un’ampia varietà di movimenti e posizioni delle ballerine, mostrandone il corpo, l’eleganza e la concentrazione in tutte le fasi che formavano la rappresentazione artistica del balletto, compreso il dietro le quinte e i momenti dedicati alla preparazione e all’allestimento dello spettacolo.

La “Ballerina verde”

In questo dipinto, conosciuto come Ballerina verde (o Ballerina oscillante), la ballerina sta danzando di fronte ad un pubblico che non vediamo e il cui spazio è occupato dagli spettatori del quadro, che vedono animarsi un’evoluzione della danza da una prospettiva rialzata. Degas, infatti, dipinge il quadro immaginando che lo spettatore sia in una piano alto del teatro, probabilmente in un palco laterale. La scelta di un punto di vista sopraelevato, permette a Degas di mostrare le ballerine in posizioni spettacolari e originali. Una sola delle ballerine è visibile a figura intera, mentre le altre le intravediamo solo in parte. Tutte le ballerine indossano un abito verde.

Possiamo immaginare come la composizione del ballo si sia sviluppata e la fantasia dello spettatore può disegnare le altre ballerine e comprendere la dinamica del balletto. Sullo sfondo possiamo osservare altre ballerine che si stanno preparando e dietro di loro lo sfondo, confuso, del palcoscenico; si tratta, probabilmente, della rappresentazione di un bosco.

Il movimento che la scena produce agli occhi dello spettatore, pone due questioni: l’influenza che la pittura giapponese aveva su Degas, che possiamo osservare vedendo come il centro della pittura sia spostata, e lo scopo dell’artista nel mostrare una realtà mutevole, in movimento e che cambia continuamente. E’ una scena veloce, che sembra cambiare mentre osserviamo il quadro e più immaginiamo che il ballo si compia più la scena si ripete.

La tecnica a pastello, che Degas utilizzò abbondantemente, aiuta l’effetto frammentato e transitorio della realtà rappresentata. Gli impressionisti si avvalsero di questa tecnica, riprendendola dagli artisti che nell’Ottocento si dedicavano al ritratto, per ricreare un tratto rapido e audace che richiama l’istantaneità del movimento e dell’attimo fuggente. Il quadro attualmente appartiene al museo Thyssen-Bornemiza di Madrid e fu realizzato da Degas fra il 1877 e il 1879.

Fra il 1873 e il 1878 Degas frequenta l’Opéra e visita, grazie ad alcune conoscenze, le classi in cui vengono impartite le lezioni di danza per gli spettacoli serali. Qui, durante la preparazione dei balletti, nasce il suo amore per questo tema che gli permetterà di dipingere diverse tele con infinite variazioni sul tema del ballo.

In questo quadro si può notare il maestro di danza Jules Perrot che impartisce la sua lezione ad alcune allieve. Alcune ragazze ballano, altre attendono il loro turno e altre ancora si riposano.

E’ un momento di relax e Degas riesce a ricreare con dovizia di particolari la complessità di tante figure che assumono posture e gestualità differenti. Ciò che colpisce il pittore e a cui dedicherà molta attenzione, sono proprio i momenti dedicati al dietro le quinte, alla preparazione dello spettacolo, agli atteggiamenti e alle situazioni che si creano prima e dopo gli spettacoli. Il tema del ballo è spesso ricorrente nelle opere di Degas; ne sono un esempio i quadri Ballerina verde e Prova generale di balletto in scena.